Chroniques

Genesis analyse Wind (2)

We Know That We Like Genesis #52
Une série sur toutes les époques de ce groupe chéri des Québécois
Publié le 16 novembre 2022

 

Par André Thivierge

Wind & Wuthering, le 2e et dernier album du quatuor est enregistré!

À l’automne de 1976, Tony Banks, Mike Rutherford, Phil Collins et Steve Hackett terminaient les séances d’enregistrement du 8e album de Genesis, Wind & Wuthering.

Voici ce que les membres ont commenté sur les cinq pièces de la face B de l’album ainsi que des trois chansons hors album en entrevues au fil des ans et ce que votre chroniqueur en pense (ainsi que l’album).

All in A Mouse’s Night 6:35 (Banks)

Tony a composé ce conte basé sur le dessin animé Tom et Jerry mis en musique.  C’est l’une des chansons que Phil met en avant lorsqu’il parle des paroles du groupe qui se lisent mieux qu’elles ne sont chantées.

Phil : C’est pourquoi j’ai un faible pour les dernières années de Genesis.  Quand je pouvais au moins chanter les paroles des autres, qui étaient alors un peu plus personnelles, avec une certaine émotion.

On peut comprendre qu’il ait du mal à mettre de l’énergie et de l’émotion, en tant que chanteur, dans l’histoire banale présentée ici. Mais le groupe a tenu à présenter un contraste avec certaines de ses idées plus cosmiques et à produire une chanson de nature plus fantaisiste.

Musicalement, la chanson progresse joliment en utilisant la vaste gamme de synthétiseurs de Tony pour créer un large paysage sonore et de belles transitions d’accords avec la basse de Mike qui pousse la mélodie. Ses lignes de clavier traduisent l’activité de la chasse.  Les effets de grattement et de bouillonnement de la guitare de Steve et son solo de guitare sont également un point fort, montrant à quel point il était habile à travailler avec les harmonies changeantes de Tony.

En fin de compte, le sujet de la chanson fait que tout semble un peu trop léger, malgré le punch dramatique occasionnel de la musique.

Tony : Les riffs étaient bons, mais le texte était un peu égocentrique.  Je ne pense pas que ce soit mauvais, mais ce n’est pas à la hauteur de mes deux autres chansons de l’album.  Il y a un élément humoristique, contrairement à d’autres morceaux plus lourds de l’album.  C’est important dans ce sens.

Le solo de guitare dans la dernière partie de la chanson est l’un des meilleurs moments musicaux de toute l’histoire de Genesis.

Steve : J’ai écrit mes propres phrases pour le solo.  Parfois, Tony et moi jouions la même chose mais je voulais jouer de façon différente, harmoniquement contre ce qu’il faisait… ce que je faisais changeait la nature de l’accord. Je pense que stylistiquement, c’est ce que nous faisions à l’époque de Nursery Cryme.  C’est clairement une chanson comique, assez enfantine dans ce moule fortement influencé par les premiers albums avec Peter.

Tony : Peter était parti et il était doué pour les textes humoristiques, je veux dire Harold The Barrel (Nursery Cryme) est un texte merveilleux, et donc je pensais consciemment à cela même quand j’ai fait Robbery, Assault & Battery (A Trick Of The Tail).  Avec All In A Mouse’s Night, j’essayais de rester assez léger.  Je ne suis pas sûr que la chanson ne méritait pas un meilleur texte, mais quoi qu’il en soit, voilà.

Selon le chroniqueur

Genesis voulait alléger le ton général de l’album avec ce conte fantaisiste composé par Tony.  La pièce est basée sur la série de dessins animés de Tom et Jerry, populaire dans les années 70. Il y a quelques parties mémorables dans ce morceau qui reflète la poursuite et la panique d’une souris.  Selon moi, la meilleure partie est la section instrumentale à la fin, avec un grand solo de Steve sur un accompagnement de clavier fort, avec un orgue d’église.

En spectacle

La chanson faisait régulièrement partie du set pendant la partie britannique de la tournée Wind & Wuthering en 1977 mais a été abandonnée lorsque le groupe s’est déplacé en Amérique du Nord et en Europe. Aucun enregistrement live officiel de la chanson n’a été publié.

Blood On The Rooftops 5 :20 (Hackett, Collins)

Mike : C’est une belle chanson, plutôt oubliée, et Steve y a joué un grand rôle.  Du côté de l’écriture, je pense que c’est l’un des meilleurs moments de Steve.

Débutant avec une magnifique intro à la guitare à cordes de nylon interprétée par Steve, le morceau se développe avec la voix et la basse rejoignant la guitare classique avant l’entrée en scène des sons riches de clavier de Tony.

Steve : J’ai écrit cette introduction et j’essayais d’écrire quelque chose qui soit complexe harmoniquement. Donc, vous avez cette sorte d’introduction baroque, avec des accords très peu évidents. Chaque fois que je la joue en solo sur scène, je dois réapprendre tous les accords, car il n’y a pas vraiment d’accord direct, c’est toujours en mouvement.

Phil : Ma force avec Genesis, même si j’étais le chanteur, jusqu’à et y compris Wind And Wuthering était en tant qu’arrangeur. Je pouvais voir comment le matériel des autres pouvait fonctionner ou être arrangé, vous savez, pourquoi ne joueriez-vous pas ceci et je pourrais jouer cela.

A ce stade, Steve commençait à être un peu frustré par son manque de capacité à contribuer au groupe. Il avait le matériel qu’il faisait sur ses propres albums et donc on s’est peut-être mis d’accord dans la mesure où il avait ce morceau et m’a demandé : « Est-ce que tu as quelque chose que tu pourrais mettre avec ça ? » et j’ai apporté quelque chose que j’avais.

Steve a écrit le couplet et les paroles tandis que Phil a trouvé la mélodie du refrain et le titre.  Les paroles offrent un commentaire social intéressant sur l’époque, avec de nombreuses références à la télévision britannique.

Steve : Il est beaucoup plus facile de faire du zapping à la télévision de nos jours. A l’époque, il fallait se lever, aller devant la télé et appuyer sur les boutons. C’est aussi une chanson sur l’apathie et la guerre, et je pense qu’elle est toujours d’actualité. Je suis fier de cette chanson et je pense qu’elle a plus de sens aujourd’hui qu’à l’époque. Elle est complexe sur le plan des paroles et des harmonies et, en fin de compte, c’est une chanson sur la paix.

Tony : A plusieurs reprises dans notre carrière, Steve a écrit de belles chansons mais sans refrain pour les tenir ensemble, il fallait ces points de convergence pour que le reste ait un sens. Donc, Phil a écrit le refrain de la chanson et Steve s’est avéré être un très bon parolier pour cette chanson.

Tony dit que cette chanson a toujours été l’une de ses préférées de Genesis.  Elle se distingue certainement, en particulier par l’utilisation de la guitare classique à cordes de nylon par Steve, qui contraste avec les arrangements à 12 cordes très utilisés par le groupe.  Elle suit le modèle de nombreuses chansons de Steve qui allaient suivre, avec son couplet calme et son grand refrain enjoué.

Tony : C’est une très belle chanson et comme je n’ai rien eu à voir avec son écriture, je peux être un peu plus détaché ; elle m’émeut toujours quand je l’entends maintenant.

Selon le chroniqueur

Blood On The Rooftops est l’une des chansons les plus sous-estimées de Genesis, probablement parce qu’elle n’a jamais été interprétée en concert par le groupe.  La chanson s’est forgée une forte popularité au fil des ans et le groupe lui-même a fini par l’apprécier davantage.  Elle s’ouvre sur un excellent morceau de guitare classique en nylon de Steve, soutenu par le travail légèrement orchestral du Mellotron de Tony, qui donne à la chanson une atmosphère sombre et mélancolique. Phil entre ensuite dans la chanson avec une voix délicate, dont les paroles résument l’atmosphère des jours de pluie où il n’y a rien d’autre à faire que de regarder la télévision.

Inspiré par les chansons de Jimmy Webb, ce morceau au tempo lent fait la satire de l’obsession de la société pour la télévision et est rempli de références aux programmes et aux actualités de l’époque. Musicalement simple dans sa structure et luxuriante dans son paysage sonore, la chanson est divisée entre les couplets écrits par Steve et un joli refrain écrit séparément et parfois plus tôt par Phil, qu’il a développé de manière lyrique autour de la phrase titre.

Ici, les différents morceaux s’entremêlent de manière transparente, ce qui fait de cette chanson l’une des plus fortes de Wind & Wuthering.

L’aspect symphonique de l’arrangement est généré par l’utilisation imaginative que Tony fait du Mellotron et du piano à queue Steinway, qui a donné de l’élan à la chanson en studio. À l’origine, les paroles devaient être celles d’une ballade d’amour romantique, mais Steve a finalement décidé de contraster avec les autres chansons romantiques de l’album en écrivant un morceau plus cynique avec une référence politique occasionnelle.

Tony et Mike ont tous deux estimé qu’il s’agissait de l’une des contributions les plus marquantes du guitariste au groupe.

En spectacle

Bien que la chanson n’ait jamais été interprétée en concert par le groupe, il a été brièvement envisagé de l’inclure dans le programme de leur tournée de retrouvailles de 2007.

Steve a interprété à quelques reprises la chanson pendant ses spectacles solos, notamment pendant la tournée soulignant le 40e anniversaire de l’album Wind & Wuthering.

Unquiet Slumbers For The Sleepers 2: 27 (Hackett, Rutherford)

Unquiet Slumbers For The Sleepers rappelle beaucoup le travail solo de Steve : une guitare classique pizzicato d’une douceur inquiétante et un synthétiseur sur lequel seule la basse tympanique apporte un peu de rythme.

Steve : Oui, c’est très flottant.  J’ai écrit cette mélodie (0’11 ») qui est mélancolique et onirique.  Je pense toujours que c’est une jolie petite mélodie, plus proche de la musique classique en général et d’un peu de musique espagnole. C’est très difficile de la faire en direct. Je l’avais déjà jouée en live mais ce n’est pas facile. Je dirais que de Blood On The Rooftops à la fin de l’album, c’est là que se trouve mon cœur

À 1’30 », vous avez la mélodie de Mike et à ce moment-là, vous avez le piano qui poursuit l’idée de la guitare ondulante et je joue de la guitare d’une manière qui ressemble presque à la musique d’accompagnement d’un film muet, encore une fois très nostalgique, je pense que cela fait très Wind & Wuthering.  C’est comme jouer du piano sur un film en noir et blanc.

Couplés au morceau suivant, les titres de ces deux instrumentaux font référence à la dernière ligne de Wuthering Heights d’Emily Bronte.  Cette partie est lente et émotive, cinématique par endroits, avec de multiples textures de guitare et une ligne mélodique sifflante de Tony.

Selon le chroniqueur

C’est le premier des trois morceaux liés entre eux qui clôturent l’album, dont les deux premiers sont instrumentaux.  C’est une autre vitrine pour les compétences de Steve sur sa guitare acoustique classique en nylon, avec quelques effets de synthé fantômes de Tony ajoutés par-dessus. Le morceau trouve son origine dans une version de Ravine, sur laquelle Tony et Steve avaient expérimenté des textures sonores.  C’est un morceau typiquement inspiré par Steve, avec les guitares électrique et acoustique qui fournissent une mélodie obsédante sur la 12-cordes grattée de Mike.  Les percussions en écho de Phil évoquent des images froides dans le paysage musical.

À l’origine, le morceau devait être joint à In That Quiet Earth en tant que composition créditée au groupe au complet, mais le reste du groupe a senti la frustration de Steve avec beaucoup de son travail qui n’a pas été retenu.  La décision a donc été prise de diviser la musique en deux parties distinctes et de donner au guitariste un crédit supplémentaire sur l’album.

In That Quiet Earth 4 :45 (Hackett, Rutherford, Banks, Collins)

Anticipée par un long roulement de caisse claire, la chanson passe à… In That Quiet Earth.  Cette première section est menée par la guitare électrique solo de Steve, accompagnée par les arpèges de 12 cordes de Mike. La deuxième section (qui commence à 2’48 » et est introduite par une reprise d’un thème de Eleventh Earl Of Mar) est menée par le synthétiseur de Tony et la guitare rythmique lourde de Mike.

Steve : A ce stade, je pense que ce qui était le plus important pour Phil était l’arrangement, prendre des mélodies et les transformer, comme avec ces deux morceaux.  En particulier, vous avez In That Quiet Earth, qui a été écrit à l’origine dans un tempo différent, et Phil a suggéré de le changer pour faciliter un rythme rapide, comme il l’a fait avec Los Endos. C’est un rythme très intéressant ; il pourrait être à 3/4 mais vous avez une mélodie très peu appréciée par-dessus. J’ai travaillé là-dessus avec Mike ; il jouait les cordes et je jouais le lead.

Le changement suivant (2’23 ») est celui de Mike… c’est comme une fusion où vous avez le synthé et la guitare qui jouent ensemble.  Certaines personnes pensaient que c’était le synthé qui jouait au début mais c’était une guitare, j’utilisais la Strat, je l’enregistrais trois fois avec beaucoup de trémolo et ensuite le synthé prenait un autre lead à partir de ça. Phil est un excellent batteur.

Et puis le synthé (2’43 ») et le morceau de Mike (2’48 ») où le groupe sonne merveilleusement bien, et puis il y a un morceau où Tony arrive par-dessus le marché avec la chose la plus improbable mais vraiment créative, puis s’arrête (3’08 ») pour ensuite continuer d’une manière qui ressemble un peu à Dance On A Volcano (3’23 »). A la fin (4’34 ») il y a une autre reprise de la mélodie de Eleventh Earl Of Mar.

Phil : Toute la partie instrumentale dans… In That Quiet Earth et Unquiet Slumbers For The Sleepers... résiste aussi très bien au temps. En fait, nous en avons joué des sections entières ces dernières années parce que parfois, les instrumentaux se tiennent mieux que certaines pièces vocales.

Selon le chroniqueur

Dans le prolongement direct du morceau précédent, mais dans une veine beaucoup plus lourde, ce morceau constitue le parfait prélude à Afterglow. C’est la seule pièce de l’album qui est créditée à l’ensemble du groupe, et elle sonne certainement comme si elle avait été développée dans une session d’improvisation en studio. Il s’agit d’une des pièces instrumentales les plus rock et lourdes de Genesis, à la fois entraînante et rock, avec des guitares inversées, et de multiples sections et solos. Le tout explose, se construisant et se métamorphosant à la manière d’Apocalypse in 9/8 de Supper’s Ready.

La deuxième partie se transforme une fois de plus en un morceau plus lourd dans la veine de Led Zeppelin, Kashmir avec des solos plus sauvages sur un seul accord qui nous emmène à Afterglow.

 En spectacle

Cette pièce instrumentale a été jouée en spectacle en lien avec Afterglow lors de la tournée de 1977 et a ensuite dans le cadre d’un medley plus long lors des tournées de 1983-84 et 1986-87, qui étaient entrecoupées par In The Cage et Afterglow ou occasionnellement, lors de la dernière tournée, avant la partie finale de Supper’s Ready.

Afterglow 4 :10 (Banks)

Genesis offre ici une finale émouvante pour l’album, avec une chanson basée sur de délicats arpèges à la guitare électrique et présentant l’une des meilleures performances vocales de Phil.

Tony : Je l’ai écrite en à peu près le temps qu’il m’a fallu pour la jouer. Je me suis juste assis et j’ai pensé que j’avais envie d’utiliser cette séquence d’accords et j’ai commencé à chanter dessus. J’étais vraiment excité par cela car je ne fais pas habituellement ce genre de choses. Afterglow est devenu un grand succès sur scène. C’est une sorte d’hymne très fort et je pense qu’il clôturait très bien l’album.

Steve : Une autre chose qui est utilisée sur cet album est une idée que j’ai eue sur la perte de boucles de voix.  Souvent, les grands « ahhs » sont dus à la voix de Phil.  Vous l’entendez sur Eleven Earl Of Mar mais surtout sur ce morceau. C’était mon idée mais nous utilisions les 24 pistes de la console, donc pour faire des accords, il n’y avait pas d’échantillonnage comme maintenant. Même aujourd’hui, je trouve cela très émouvant, même si je ne l’ai pas écrit.

Les paroles de Tony semblent être l’histoire d’un amour perdu, mais elles peuvent être interprétées de différentes manières.

Tony : Il s’agit plutôt de se mettre dans une situation imaginaire, tu sais, comme la mort et la destruction et comment tu y réagirais. En fait, je visualisais une relation à l’intérieur de cette chanson, mais pas une relation qui me correspondait totalement, mais comment je pourrais être dans une certaine situation.

Il s’agissait de la dernière personne sur terre, dans le sillage de l’apocalypse, ayant perdu tous ceux qu’elle connaissait et aimait, offrant son âme et accueillant sa propre fin.

Steve : Il s’agit essentiellement de la perte de quelqu’un.  C’est une belle chanson et elle a probablement servi de guérison, je pense.  C’est la dernière chanson du dernier album et une bonne chanson pour partir, la laisser là… la laisser sur un coucher de soleil parfait.

Selon le chroniqueur

Wind & Wuthering se termine avec ce qui pourrait être son titre le plus fort, mais aussi le plus simple. Afterglow est structuré autour d’un couplet et d’un refrain qui montent en intensité au fur et à mesure de leur progression. Tony a écrit cette chanson à vitesse moyenne très rapidement, la musique venant spontanément, mais il s’est ensuite inquiété du fait que la mélodie qu’il avait écrite était trop proche de celle de la pièce des fêtes Have Yourself A Merry Little Christmas.  Il s’est finalement rendu compte qu’il y avait suffisamment de différences entre les chansons pour éviter les accusations de plagiat.

La figure de guitare de Steve sur le couplet utilise un motif descendant qui se résout et se répète lorsque Tony met la chanson en boucle. L’approche rythmique ajoute du drame et de la passion avec ses changements de tonalité qui accentuent le drame.   L’élévation finale du refrain termine la chanson sur une note d’optimisme, contrastant avec le récit à la première personne du désespoir émotionnel résultant d’un désastre physique, et non d’une relation brisée comme on le dit souvent.

Phil offre une voix forte, son registre s’adaptant bien à l’ascension de la chanson et à son intensité croissante.  Il ajoute également ses propres harmonies de soutien à trois niveaux (inspirées de I’m Not In Love de 10cc).

C’est Steve qui a suggéré les boucles d’harmonie vocale lorsqu’un problème avec le magnétophone a conduit le producteur à se tourner vers le groupe pour trouver des idées à tester.  Le jeu instrumental sert à ajouter une note de finalité au drame émotionnel et montre comment l’oreille musicale de Phil l’a aidé à mettre en valeur les phrases harmoniques de Tony grâce à cette utilisation astucieuse des roulements de batterie et des cymbales.

En spectacle

La chanson deviendra une des favorites des fans sur scène, étant interprétée à chaque tournée au cours des dix années suivantes.  Elle a également été interprétée lors des tournées de retrouvailles du groupe en 2007 et en 2021-22.

Une version live de la chanson enregistrée au Palais des Sports de Paris le 13 juillet 1977 est apparue sur Seconds Out comme pièce sans aucun lien avec d’autres (avec Chester Thompson à la batterie).

Un second enregistrement figurant sur Three Side Live a été réalisé au National Exhibition Centre, à Birmingham, le 23 décembre 1981.  La chanson formait la conclusion du In The Cage Medley.

Une performance plus sobre, protégeant la voix vieillissante de Phil et complétant à nouveau le medley commencé avec In The Cage, a été enregistrée dans Live Over Europe 2007 à Old Trafford, Manchester, le 7 juillet 2007.  Les deux dernières performances ont été réalisées avec Tony, Phil et Mike, accompagnés de Daryl Stuermer (guitare) et Chester Thompson (batterie).

Pièces n’ayant pas fait l’album

Trois autres chansons ont été enregistrées pendant les sessions de studio de Wind & Wuthering mais ont été laissées de côté sur l’album.  Ces chansons seront plus tard publiées au Royaume-Uni sous la forme d’un EP (Extended Play), Spot The Pigeon, alors que le groupe était en tournée. Ce court album n’est pas sorti aux États-Unis, mais Atlantic Records l’a sorti au Canada.

Match of the Day 3 :24 (Banks, Collins, Rutherford)

Match Of The Day est une chanson humoristique construite autour de la ligne de basse rebondissante et mélodique de Mike et de la guitare de Steve, qui regarde le monde du soccer à travers les yeux cyniques du groupe.  Musicalement, Tony était le principal auteur.

Tony : J’avais essentiellement réutilisé le riff de basse de Carpet Crawlers sous une forme accélérée. Je trouvais que musicalement la chanson était tout juste passable, notamment lors du riff de sa section centrale.

Phil : Le groupe a essayé d’intégrer certains des grooves les plus branchés de l’époque.

Bien que la musique comporte des éléments qui permettent d’atteindre cet objectif, les paroles, écrites par Phil, feront en sorte qu’il admettra plus tard en être gêné.

Tony : Je pense que Match Of The Day est l’une des pires choses que nous n’ayons jamais faites, j’en suis le principal responsable et je ne le supporte pas.

Selon le chroniqueur

Match Of The Day est une chanson légère basée sur une boucle de basse et un riff de guitare rythmique (par Mike et Steve).  Dans ses paroles, Phil parle de la vénération du peuple anglais pour le soccer.

Aucun membre du groupe n’a jamais trouvé cette chanson très bonne, avec des paroles décousues – voire embarrassantes – sur le soccer anglais.  (Phil sera plus tard si embarrassé par les paroles qu’il mettra son veto à l’inclusion de la chanson dans le coffret Genesis Archive #2 sorti en 2000).

Pigeons 3 :12 (Banks, Collins, Rutherford)

Comme Match Of The Day, Pigeons est une autre chanson fantaisiste.  Elle a été inspirée par un article que Mike avait lu sur la nuisance des pigeons qui volaient autour du Foreign Office avec son toit couvert de guano.  Une autre mélodie plutôt joyeuse, cette fois-ci basée sur une figure de guitare à une note de Steve avec un banjolele fortement gratté de Mike.

La basse est également fondée sur le si bémol, Tony ajoutant des harmonies d’accords par-dessus.  Cette chanson n’aurait pas eu sa place parmi les morceaux plus mélancoliques et étendus utilisés sur Wind & Wuthering.

Tony : C’était très amusant car c’était tellement différent.  L’idée de faire une chanson entière autour d’une note était quelque chose que je voulais faire depuis longtemps, en changeant l’accord sous-jacent.

Mike : Je ne suis pas fan de la chanson, en particulier des paroles.  Elle est représentative de son époque.

Selon le chroniqueur

Si vous vous êtes déjà demandé qui avait mis 50 tonnes d’excréments sur le toit du ministère des Affaires étrangères britannique, ne vous demandez plus, car cette chanson a la réponse.  Tony dit que c’était très amusant à écrire et à enregistrer, surtout l’utilisation d’une seule note pour travailler les accords, ce que le groupe voulait faire depuis un moment. C’est cependant la plus faible des chansons enregistrées à l’époque, elle ne va jamais vraiment nulle part.

Inside And Out 6 :45 (Banks, Collins, Hackett, Rutherford)

Steve : Je pense que cette chanson aurait dû être incluse sur Wind & Wuthering au détriment de Wot Gorilla ? Je pensais qu’elle était plus représentative de la musique que le groupe produisait. Beaucoup de bons bruits, beaucoup de bonnes idées, un beau travail de douze cordes, si je puis dire. Un jeu intéressant de la part de tout le monde, un bon morceau !

Tony : C’était un bon candidat pour l’album, je la préfère à Your Own Special Way.

Steve : Spot The Pigeon marque le moment où le groupe a commencé à s’éloigner du rock pour se rapprocher de la pop. Alors que Inside And Out se développe et gagne en énergie, les deux chansons les plus courtes ne se sont jamais vraiment prêtées à un développement plus poussé.

Dans une certaine mesure, c’était des tentatives de comédie londonienne, mais aucune d’entre elles n’était assez développée musicalement pour être incluse sur Wind & Wuthering : elles n’étaient tout simplement pas assez bonnes, c’était juste deux ou trois morceaux de remplissage.

Selon le chroniqueur

Là où les deux autres chansons n’auraient pas eu leur place sur Wind & Wuthering, Inside And Out aurait été tout à fait à sa place. Peut-être est-ce le sujet plutôt pessimiste et controversé des paroles de Mike – traitant de l’histoire d’un homme accusé à tort de viol – qui a fait pencher la balance en sa défaveur.

Structurellement, la chanson est divisée en deux sections. La première section, Inside, est une ballade largement acoustique jouée à la guitare 12 cordes par Steve et Mike avec une belle mélodie mélancolique.  Elle traite des raisons de l’emprisonnement de l’homme, de son point de vue, de celui de son frère et de celui de la police. Le jeu sur cette section rappelle le travail acoustique délicat du groupe sur Ripples (A Trick Of The Tail) avec son arrangement acoustique complexe.

La deuxième section, Out, est un morceau instrumental à tempo rapide très énergique, avec de belles lignes de synthé de Tony et un travail de guitare de Steve, Mike ajoutant des accords de guitare rythmique comme ceux de Pete Townsend dans les dernières mesures.  Musicalement, cette section est conçue pour représenter le sentiment de soulagement que ressent le prisonnier lorsqu’il est libéré.

En spectacle

La chanson a été jouée en spectacle lors des étapes de mai à juillet de la tournée 1977 du groupe en Amérique du Sud, au Royaume-Uni et en Europe pour promouvoir la sortie de l’EP. Aucun enregistrement live officiel de la chanson n’a été publié.

Verdict du chroniqueur sur l’album

Après avoir surpris le public avec un album de très grande qualité suite au départ de Peter, les membres de Genesis étaient rapidement motivés à miser sur le momentum et à lancer rapidement la suite de A Trick Of The Tail.

Wind & Wuthering est un album plus complexe qui demande à l’auditeur plusieurs écoutes avant de l’apprécier pleinement. On note que les membres sont plus confiants et qu’il y a une très grande complémentarité entre les musiciens.  À part quelques chansons plus faibles, on y retrouve des pièces qui survivront à l’usure du temps et qui continueront à faire partie du répertoire de Genesis des décennies plus tard.

Malheureusement, en coulisse, la prise en charge des compositions par Tony et Mike causera des frustrations de la part de Steve qui commence sérieusement à se trouver à l’étroit dans le groupe. Avec le départ subséquent de ce dernier, Wind & Wuthering sera le dernier album de l’ère progressive du groupe.  La suite sera bien différente.

Comment le public et la presse accueillera ce deuxième album de Genesis en quatuor?

 

À suivre!

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BANNIÈRE: THOMAS O’SULLIVAN
WEBMESTRE: MARCO GIGUÈRE
RÉDAC’CHEF: MURIEL MASSÉ
ÉDITEUR: GÉO GIGUÈRE

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